“正经”做AI影视创作的人: 被淘汰的从来都是人

“谁说AI创作没有灵魂？AI的终极答案，还是人”

AI已经进入影视创作的深水区。

与此同时，一批创作者已经完成了从工具探索者到内容生产者的身份跃迁。

Nick升亮把AI定义为"当下最新的摄影术"，从胶片到数码，再到AI，每一次变革都是技术换了外衣，但作者性从未消失；刘驰和她的团队，用三周六人完成了一部长片动画叙事电影；骆狮虎作为最早接触AI影视的一批人，创业转型成为AI内容创作者兼MCN创始人；丁一通过AI用自己的脸做了个人IP，呈现赛博朋克东北世界，目前单条广告报价已超过30万；Jim HuiHui则在游戏开发的思维底色上，正用AI为自己的原创IP铺设世界观……

这些创作者的路径虽不同，也正面临不同的突破口，目前AI技术也在不断迭代中，但有一点高度一致：AI影视创作的门槛，正从技术层转移到审美与作者性层面。

消失的技术门槛意味着机遇，同时意味着更高水准的竞争。

骆狮虎对此感受颇深："目前这个赛道的状态，只有两种角色容易生存：一种是能做头部精品的，另一种是大规模生产低质量内容的。在中间层，那就很痛苦了。"

而当下，真正被看到的，多数是那些在技术门槛消失之前就已经在打磨审美与作者性的人。

Nick升亮十年的独立电影教育积累，刘驰多年的商业广告经验，骆狮虎从热爱出发的七八个月无收入坚守，丁一对赛博朋克东北世界持续投入，Jim HuiHui用做游戏的开创思维来制作AI内容IP宇宙……

当三个人可以二十天做完一部长片艺术电影；当一个六人团队可以用三周挑战"AIGC工业最高水准"；当一个自媒体人可以用自己的脸创造一个赛博东北宇宙……影像表达的权利，正在以前所未有的速度回流到个体手中。

在骆狮虎看来，AI虽然是当下最新的工具，但哪怕没有AI模型，如果内容整个世界观、脚本、故事性都很好的话，图文一样可以让很多人喜欢看。

Nick升亮认为，AI只是当下最新的摄影术，摄影术从来没有消灭画家，但它让更多人成为了观察者与记录者。

AI影视，也许正在做同一件事。

受访者（按采访时间顺序）

Nick升亮（独立电影导演，AI内容创作者）

Phoenix刘驰（导演，AI内容创作者）

骆狮虎（AI内容创作者，MCN创始人）

丁一（AI内容创作者，个人IP运营者）

Jim HuiHui（游戏开发者，AI内容创作者，AI原创IP创作者）

摸索之后：惊喜、人机共创与AI工业化到来

在具体的创作实践中，AI介入影视的方式大致可以分为两条路径：一条是实拍与AI生成的混合制作，另一条是以AI为主导的全流程AIGC，这两种路径下，人与AI已达成某种工业协作流。

Nick升亮的《抵达世界尽头》是混合制作，这部艺术电影，约80%的画面由可灵AI生成，另外20%保留了实景拍摄。选择实拍的，是那些AI目前还无法完美复制的长镜头比如，远方骑车过来、人慢慢往前走的大景等。

Nick升亮的作品《抵达世界尽头》

Nick解释说："艺术电影意味着长镜头比较多，AI最长的镜头只有15秒，这在一些叙事上是不够的。"所以团队保留了五六个比较长的实拍镜头。

有意思的是，观众几乎看不出哪些是AI生成，哪些是实拍。"现在有很多人的疑问，到底分不出哪些是AI跟哪些是实拍，其实我觉得这是AI目前的厉害之处。"

这种无缝嵌入背后，是Nick团队对克制美学的坚持。他透露，整个制作过程中他们放弃了看似很棒的画面，比如那些充满视觉奇观的AI特效镜头，因为还是希望回到片子里克制的叙事。

此外，影片里的云雾、暴雨，都依托自然景观的逻辑，而不是炫技的超现实。

刘驰走的则是另一条路径。她的公司本身以商业广告起家，以前做的是甲方提需求、乙方执行的传统流程。而这次用AI做的电影，由六个人，三周时间制作完成。

他们在工作流上做了一个重要调整：把配音前置。"以前很多时候做AI视频都是最后一步才去对口型，前面把剪辑都做完了，才去对口型。这样会比较浪费时间，出来的效果没有那么好。"她选择在剧本定稿后先找配音演员录制所有对白，再根据音频去生成视频。

另一个值得关注的细节是分工模式。刘驰团队按场景分配人员，每个人负责一个具体场景内的全部镜头，而不是按照传统影视流程那样按工种分工，他们发现，这样能更加高效完成内容。

丁一则从个人 IP 落地的实操层面印证两种落地路径，他打造赛博东北题材原创 IP，依托AI进行画面落地，全程创意、故事框架由本人全权把控，不用制式脚本，即兴提炼提示词，筛选 AI 生成内容完善黑色幽默短片；Jim HuiHui深耕都市科幻悬疑原创 IP，搭建专属世界观体系，他谈到，创作中 ，AI 充当工具、助理、灵感缪斯三层角色，人工主导分镜与剧本创作，再对照 AI 产出，择优吸收创意。

打破预期的一个共识出现了，多位受访者都提到，他们并不追求100%控制AI的输出，反而会刻意留出空间，让AI给出"惊喜"。

骆狮虎在实践中往往对AI提一半具体化的需求，另一半则故意模糊提示词，让模型随机去设计东西给他进行挑选。他把这个过程比喻成游戏抽卡："你抽到一个SSR的卡，你肯定很开心。我们有时候能调用模型的能力，拿到一些很好看的镜头，也会很兴奋。"

骆狮虎

他提出，试图100%控制AI可能会让人痛苦："模型有时候是随机的，‘不听话’的，但我反而喜欢不听话，因为不听话才有更好的创意，有更多惊喜。"

Nick升亮也有类似体验，在描述一场戏时，他说："我想让他只看着这一个草丛里面，但他走的调度包括整个的表达，走两步，回头看一个表情细节，其实有些是AI给到我们的，我们把它留下来，要根据它再调。"

刘驰在实际操作中同样发现，运镜环节开放给AI，“往往可以给到惊喜”。

尽管绝大部分的叙事细节还是团队成员主动控制的，但这种部分放手、择优而取的创作形式，已经标志着AI影视创作超越了工具操作者的阶段，进入了真正意义上的人机共创。

除了人机协作的形成，在技术层面，一个里程碑已经悄然到来。

Nick升亮在采访中透露，他们团队已经自建了一套AI制作3D电影的工作流，即通过AI开源软件，将平面影片转换为原生3D文件，可在电影院的3D放映系统上播放，效果接近传统3D制作。

而可灵最新推出的原生4K能力，更让他们看到了冲击院线的可能性："上到影院，至少要2K保底。如果一个平台能做原生4K，其实对于传统影业的冲击是非常大的。"

他明确表示，进入院线的技术障碍已经基本清除，剩下的主要是政策层面的不确定性。"我觉得未来还是很大机会的，因为我们还是希望想做国内的院线。"

从传统影业的视角来看，这种变化也开始引发极大关注度。Nick透露，已有多位传统影业的负责人主动找到他咨询，问AI什么时候能进院线、技术标准如何衡量。"

在影院基础技术规范的标准下，也许未来成熟的 AI 工业化制作体系落地后，符合画质与制作规范的 AI 影片会常态化登陆院线，各大传统影视公司也会陆续把 AI 纳入常规制作环节。

工业范式：消失的门槛与重塑的岗位

传统影视工业化逻辑中重人力、精细化分工的剧组模式在AI影视创作团队中被打破，当生产门槛大幅下沉，行业岗位迎来结构性洗牌，小团队轻量化制作成为行业新风向。

刘驰提到，传统动画制作体量十分庞大。相比之下，一个45分钟的AI动画电影，六个人三周完成，这是一场彻底的规模革命。

导演刘驰团队作品《七日浮生》剧照，该片为北京国际电影节AIGC单元最佳长片

作为最早接触AI影视创作那批人，在骆狮虎看来，AI的本质是一个内容生产工厂，无论是广告、短剧、发布会大屏图片，都在用同一套逻辑生产。

“甲方要做广告，我们可以做；甲方要做短剧，我们也能做；甲方要做进程图片、PPT发布会大屏，我们也能做，它都是内容。"

Nick升亮的团队规模更小，三个人，二十天，他们做了一部将近45分钟的艺术电影，这在传统影视行业是几乎不可能完成的任务。

他们团队背后的核心逻辑是“导编一体”，导演与编剧在做的每一处场景讨论时，基本上，脑子里面提示词跟画面，已经全部有了。

这种去中间层的高效协作模式，是小团队AI创作的共同特征。

传统剧组的庞大体量，每个环节都需要专业人员，动画有人做K帧，模型有人做绑定，表演有人迁移。但在AI创作中，这些环节被整合到了每一个参与视频生成的人员上。

刘驰描述了这种全才型的新岗位特征："我们一个生图师不仅要懂美术，还要懂人物场景搭建、穿搭、人物的表演，也要懂剪辑，这些都要全懂，才能生出来一段视频。"这与传统流水线生产的清晰高度分工形成了鲜明对比，最终的整合也不再依赖剪辑师，而是渗透在每一个生产环节中。

在生产门槛急速降低的环境下，行业分化的矛盾逐渐显现：工具门槛普惠大众，但创意与审美构筑的软性门槛持续抬高。

这场岗位重塑的核心逻辑，骆狮虎用一个极具冲击力的比喻道："我小区的门卫大爷也能做，你给他一个工具，让他按照这本书把提示词复制粘贴进去，他也能做一些内容出来。但一个事情谁都能做的时候，意味着精品会更稀缺，能做好东西的人会更少。"

AI让内容生产的技术门槛归零，却同时让高质量内容变得更加稀缺、更有价值。

多位创作者同时提到，在AI影视创作中，真正稀缺的资源是个人审美品味、创意、内容呈现力，这些"让自身值钱的东西"，是任何工具都无法替代的。

Jim HuiHui原创IP作品剧照

“当人们说‘AI作品没有灵魂时，本质上是在说’有部分创作者没有灵魂，而不是AI没有灵魂‘。”Jim HuiHui归纳了三类被观众感知为“无灵魂”的内容特点：过度模板、同质化、过度追求视觉奇观、过度追求感官反馈。

"过去可能十份东西里面九份是让人觉得毫无意思，一份是很有意思的。现在变成了100份、1000份里面可能10份东西让你觉得有意思，但从比例上来说它还是变小了。"AI让内容的绝对数量爆炸，却并未等比提升有价值内容的比例，反而让好内容更难被看见。

从传统影视行业转入AI内容行业的导演丁一，结合行业见闻提到，大量传统灯光、摄影等实操岗位需求萎缩，只会基础落地的从业者生存空间压缩，当下，兼具内容策划与 AI 使用能力的创作者已成为市场刚需。

工作中，导演丁一

一方面，技术迭代倒逼产业转型，另一方面，传统影视从业者普遍处在观望与被动变革的矛盾之中。当这些创作者提到传统影视的态度时，他们不约而同地发现，当下大多传统影视公司或团队对AI的态度处在焦虑、观望阶段。

刘驰在北京参加了多个与传统平台和影业的交流活动，她观察发现，"很多传统的影视公司，还在处于一个观望的阶段，一方面在观望，但一方面也都还在去了解跟积极的拥抱。"她认为这种矛盾心态来自一个深层问题：AI的进步是无法回避的。

同样从传统电影行业转型接触AI影视的Nick升亮半开玩笑道，"先革掉电影人的命嘛。"但他随即澄清，这并非否定，而是一种解放："AI给了更多人做电影有表达的权利。你像传统来说，这类型的艺术电影，有很多类型在当下的资本上几乎是不可能拿到投资的，那通过AI能做得到，哪怕它不一定要上大荧幕，它在流媒体也可能有个很好的收益。"

"以前也有一些导演朋友看不起AI，但今年，从看不起到用它，这个过程相隔一年不到。"骆狮虎发现，身边的导演朋友，在一年不到的时间内，从排斥到使用AI，不在少数。

整体来看，AI 正在重塑影视工业的底层逻辑，生产端目前是大厂与精品小团队并行，甚至一人团队的新格局，低端量产内容持续内卷，依托创意和审美的精品内容溢价不断走高，未来相关行业的竞争，将落脚在创作者的内容功底与艺术修养之上。

变现之路：从电影节到大厂物料

对于AI创作者来说，创作本身已经不是最难的事情。当下，他们面临的是两个现实问题：如何被看见，以及如何让作品变现。

骆狮虎把自己AI创作的营收逻辑归纳为三个支点：自己做（个人IP）、帮人做（商业乙方）、教人做（培训）。他的盈利模式是三者并行，但核心策略是先做内容、先建立个人风格，再等商业机会自然找来。"我当时做这个事，有七八个月没有任何营收，但还非常努力地去做了，因为我喜欢。"

这种热爱先行的策略，加上他是最早一批的尝试者，使得他建立了个人的商业模型：他现在既是乙方制作公司，也是AI内容MCN机构，孵化AI创作者，也是独立IP开发者。"我是一个综合体，甲方有需求找我就干；我在不断孵化优质的创作人员；我手下有很多艺人公司的个体，我另外一端有很多商业，可以做嫁接。"

丁一走的变现路径是个人形象IP。以自己和搭档周鹏的真实形象为基础，他打造了"赛博朋克东北"这一黑色幽默宇宙，第一条视频就爆了。在此基础上，他建立了一套以KOL模式接单的商业逻辑："各种品牌方找到我，我报价，品牌方OK，我出内容就行了，我把品牌的诉求融合到我的故事当中，我同时也有主动权。"

他明确表示，这种模式让他从被动接单状态，转型为内容主导者。目前，他单条广告报价已达30万级别，而市场中，普通的AI广告由于技术门槛降低，报价往往已经压到一两万乃至更低。

同看到内容IP重要性的Jim HuiHui，则深耕个人长线原创世界观 IP 赛道，搭建都市悬疑科幻《error 我的爱人》完整世界观白皮书，他优先打磨短片内容，积攒受众，并不急于短期变现，他期望能依托成熟 IP ，后续落地剧集、跨界品牌联动等多元化商业形式，奉行内容先行、长期主义的变现思路。

Jim HuiHui原创IP作品剧照

从几位受访者的实践来看，AI创作的变现路径已经出现了相对清晰的分支：

一种是艺术长线变现模式，深耕艺术影像，依托电影节、艺术展、跨界装置、互动内容实现价值落地，包括国际电影节发行、美术馆装置、交互艺术等。Nick升亮的团队这次制作的短片电影参加了北京国际电影节，并已收到多个国际A类电影节的邀约，他透露，影片在纽约放映时也获得了积极反馈，接下来可能会将作品开发成更完整版本，冲击海外电影节。

刘驰的公司日常承接的是大厂的内容物料，以及剧集开发项目。但她表示，这次做长片电影的一个重要目的，也是"给片方一些信心，也给我自己一些信心，尝试一下我们这个工作流是不是可行的"。换句话说，这类个人创作内容，也在为公司赢得甲方信任背书。

另一种是商业落地变现模式，立足品牌商单、短视频广告、影视特效等市场化订单，依托成熟制作能力直接创收。

版权、审核与迭代：AI 影视的成长阵痛

在当下正热络的变现路径背后，几位受访者都提及了一些真实的行业痛点。比如，版权问题是目前AI影视内容最模糊的灰色地带。

当下比较常见的实操逻辑是，只要是用AI会员生成的素材，平台协议通常已界定为可商用；真正容易越界的是，直接文生视频，生成本来没有的角色，这样的做法常常会生成长相类似明星的面孔，存在肖像权风险。

对此，骆狮虎给出的建议是，“先在图像层面生成并确认角色资产，再用这个资产去生成视频。"

类似的问题并不少见，丁一提到此前有人用AI生成了一个短剧角色，这个角色在现实中恰好有一个长得一模一样的真人，但创作者原本并不清楚，最终引发了肖像权纠纷，走到打官司、下架、重新制作角色的阶段。这一事件使他做内容时更加谨慎，他的应对策略是直接用自己和身边朋友的面孔做个人IP。

他认为，AI时代的版权问题，最好的解决方式是"技术在前，法律条文在后"，先有一个开源的土壤，生态繁荣了，再去厘清边界。

Jim HuiHui在降低版权问题风险上摸索出了自己的工作方式，"养成一个好习惯，就是你所有创作的内容都能够进行回溯，每一个步骤都能很清晰被展示出来，这样能证明你的每一步都是经由自己做出来的，不存在版权问题。"他指出，目前整个业界"处于一个裸奔的状态"，暂时缺乏系统性的版权意识建设，也没有过程监督机制，出了问题才去看具体案例，而这或许也是当下行业做急需面临的问题。

工作中，Jim HuiHui

模型审核限制是另一个现实约束。

刘驰在实践中发现，片子里有些血腥场景、或是打针镜头，AI根本生不出来，需要特殊许可或白名单。而这中间的审核标准还未完成统一，"可能同样的资产，同样的图，A同学就能生出来，B同学就生不出来。可能B同学今天能生出来，明天又不能生出来了，是没有特别明确标准的。"

在狂热的技术浪潮中，模型更新带来的时效性焦虑，是这个行业独有的困境。工具迭代速度极快，今天的顶级模型，明天可能被新版本碾压，这不算罕见。

骆狮虎对此的态度是："不要想太多，一直往前走。"

但Jim HuiHui叶观察到，很多创作者因为焦虑工具更新而陷入了一种恶性循环："随着内容越来越多，工具越来越多，大家越往后拖，整体的学习成本会越来越高，但因为越来越高，越焦虑，很多就迟迟不敢开始。"

一切的基础：内容为基，AI时代不变的内核

在所有技术变量之外，几位创作者不约而同提到了一个老生常谈的命题：好故事才是一切的基础。

刘驰的长片之所以打动人，核心不是AI的技术水准，而是她本人在新加坡住院经历中提炼出的真实情感。

她在病房复诊回来后，把"我以后再也不能打网球了"这句话加进了剧本，主角因好友去世而放弃网球事业的情节，就这样诞生了。"我是觉得整个片子最打动人的地方，就是我完全不服务于市场。"真挚的个人表达与真实情绪，是刘驰作品获得评委认同的关键。

导演刘驰《七日浮生》剧照

Nick升亮则将这种表达方式追溯到了他十年的独立电影教育经验："作者其实就是创作，持续的创作，这个是挺重要的。那股心气很重要，你不断地有创作的心气。"

他认为，技术平台在做"把创作还给作者"这件事很重要，“平台尊重作者，支持好作品，这已经足够。”

在创作内容同质化现象频现的情况下，行业的发展瓶颈开始凸显。Jim HuiHui从更宏观的角度提出了他对当下AI影视最大壁垒的判断：创作者受过去内容惯性的影响太深。

"上一个时代人的创造，是基于当时的环境去创造符合当时人们群体潜意识的内容。所以那些内容能击中当时人的内心。但我们作为后来者，更多的是延续它这样的一个惯性，但靠惯性的话势必速度越来越慢，越来越没有力度。"

AI 极大地释放了视觉创作的上限，能落地各种天马行空的画面，但不少创作者的叙事思维、创意构思还停留在传统框架中，这或许意味着，AI内容的竞争力，在下一个阶段，更加聚焦在创作者的想象力。

他举例道，一些科幻电影中的太空战斗场面，内核仍然是二战时期螺旋桨飞机的缠斗逻辑。而当下的实际的空战形式，早已颠覆过往，只是创作者创作意识似乎趋于保守。AI的真正价值，也在于打破这种创作惯性的可能性。

丁一的创作哲学最简洁，也最务实，"我没有思路，感觉好玩。"他不写脚本，常常边做边想，在赛博朋克东北这个世界观的框架内，随时接收灵感，随时生产内容。

这种混沌中的秩序感，也许正是AI创作生态目前最真实的写照。

本文来自微信公众号“东西文娱”（ID：EW-Entertainment），作者：盛煜涵，36氪经授权发布。