演员转行导演，成功率为什么要比其它工种高？

国内很多导演，在从业经历上，都是从演员转行导演。

电视剧方面：刘江、赵宝刚、汪俊、杨亚洲、刘家成、孙皓、李云亮、李少飞、费振翔等导演，很多都是科班表演系出身；于荣光、连奕名、柳云龙、巨兴茂等演员，现在把导演工作当成了重要业务。

汪俊在《小别离》中出演张亮忠一角

费振翔在浙版《西游记》中出演孙悟空

电影方面：吴京、陈思诚、徐峥、黄渤、大鹏、苏有朋、徐静蕾、刘若英等演员转行导演，都取得了不错的导演成绩。

转行导演的影视工种主要是以下几类：

摄影转导演，如：张艺谋、顾长卫、张黎、曹盾等。

编剧转导演，如：张挺、徐兵、田雨生、张冀等。

作家转导演，如：刘恒、韩寒、张嘉佳等。

武行转导演，如：洪金宝、程小东、袁和平、曹荣等。

美术转导演，如：冯小刚、丁晟等。

摄影转导演比较注重视觉上的美学呈现，比如王朔当年调侃（并不是批评）张艺谋是“搞装修的”；编剧转导演比较注重故事的结构和逻辑；武行转导演基本是集中在动作片领域；演员转导演更关注演员的表演。

总体上，演员转行导演的案例比较多，成功的概率比较大。因为戏剧最终是以“表演”为载体呈现出来的，观众第一时间接受到的信息，就是荧幕上演员的状态。

喜剧的“演员中心制”

古、今、中、外，喜剧从来都是以演员为中心的。

喜剧的创作，创作构象和表演是需要高度配合的。

同样一个喜剧剧本，同样的喜剧台词，不同的演员来演，就会呈现出不同的效果。沈腾演出来是一种味道，黄渤演出来又是另一种味道。

为了使创作构象和最终的表演呈现，达到高度的统一而不出现偏差， 最理想的状态只能是创作者亲自出演 。

这也许可以解释：为什么周星驰早年经常和导演（非周星驰自己执导的电影）发生矛盾；晚年周星驰不再出演电影后，其执导的电影中演员总是难以达到他设想中的表演状态。

换言之，喜剧就是核心人物的“一言堂”创作模式。

卓别林、巴斯特·基顿、伍迪·艾伦、罗伯托·贝尼尼、罗温·艾金森等， 既是优秀的喜剧导演，又是优秀的喜剧演员 。他们的作品基本是自编、自导、自演。

欧美电视界，喜剧占据半壁江山。艾美奖、英国电视学院奖等权威电视奖项， “剧情类剧集”和“喜剧类剧集”的奖项都是分开颁发的 。 传统情景喜剧或现在流行的“半小时喜剧”，在创作上基本上贯彻的是“喜剧演员中心制” 。

如：在Netflix《太空部队》中，史蒂夫·卡瑞尔是剧创人的身份；HBO的《抑制热情》由拉里·大卫自编、自导、自演；在NBC的《公园与游憩》中，主演艾米·波勒是该剧执行制片人，她也是《周六夜现场》的常驻主持人；HBO的《巴瑞》由比尔·哈德尔自编、自导、自演。

国内亦然。

早年的香港喜剧功夫片，成家班、洪家班等团队，基本贯彻的也是“编、导、演”一体化模式。

赵本山的东北农村喜剧，很多台前的演员也是幕后主创。在《马大帅》《刘老根》《乡村爱情》等一些赵本山出演的电视剧中，赵本山也担当一部分剧的编剧、导演、制片工作。

相声这种艺术形式本身也是“创演一体化”的，段子、包袱需要演员自己写。早年，郭德纲、岳云鹏、于谦都出演了一些电影，现在德云社全面触影，和爱奇艺、腾讯视频、优酷等平台合作影视项目，如：秦霄云、孟鹤堂等主演了爱奇艺的《瓦舍江湖》；孟鹤堂、周九良主演了腾讯视频的《北纬路甲一号》，该剧导演方旭本身也是一名话剧演员。

情景喜剧的演员难找，要考虑演员的喜剧天赋。

如情景喜剧《一宅家族》的选角标准是：必须找有喜剧天分的专业演员，即便这些演员没有流量；情景喜剧《破事精英》里除了李佳航具备一定的知名度外，其它演员的选角标准和《一宅家族》一致。

喜剧演员是一个喜剧项目的灵魂。开心麻花的商业化战略中，一个喜剧演员就能单独撑起一个项目，如《这个杀手不太冷静》里的魏翔。

一切工作都是为表演服务

以前谈论戏剧，谈的是表演，谈的是斯坦尼斯拉夫斯基、布莱希特、梅兰芳为代表的三种表演体系。

梅兰芳京剧艺术流派认为： 戏曲虽然是综合艺术，但要以演员为中心来综合。 戏曲艺术“戏随人走，景随人迁”，演员地位十分重要。

同样的剧本，不同的班底会呈现完全不同的效果。同样是金庸的底本，不同的金庸剧却风格差异巨大；韩剧翻拍国剧，同样的情节，却面临着水土不服的问题。

是什么导致了这种差异（在同一个故事情节下）？

一方面是美学风格的差异，审美和导演艺术构象、剪辑转场、服化道视觉呈现、配乐渲染都有关系；

一方面是来自于演员，演员的问题直接关系到表演的问题。

这就使得选角很重要，核心主创跟组也有必要。

一、选角

很多大IP影视化，首先就挂在选角上。

原著粉经常对选角愤愤不平：这不是我心中的XX！

国内选角要考虑商业化（比如招商）的因素，首选名气大、流量高的，而头部演员的数量和档期本身又是有限的，所以有时候演员和剧本人设匹配度即便不高，也硬着头皮上了。

比如章子怡、汤唯、周迅等出演“古装大女主”，“少女戏份”就遇到了年龄感的问题。

好莱坞选角，演员商业化不是最核心的因素（好莱坞一线演员的片酬价格本身也是相对稳定的，比如电视剧是单集80—100万美金）。

好莱坞有严苛的试镜制度，一个重要的角色，竞争十分激烈。 漫威真人电影的成功，一部分就来自于选角。

当然，好莱坞现在选角也面临着一些 非艺术的因素的干扰 ，如黑种人问题。

表演的魅力，取决于演员本身的气质和剧作人设匹配度。

当“演员持证上岗说”出现后，贾樟柯第一个公开反对。

周星驰的电影里，诸多非职业演员留下了影史名场面。

非科班出身的王宝强因为《盲井》而走红。

最近《隐入尘烟》中的非职业演员被夸“表演生动”。

虞书欣在《苍兰诀》中的表演和她本身的气质高度匹配。

《摩天大楼》《爱情应该有的样子》里，也有观众夸赞杨颖“演技进步了”。

演技，从来都不是单独存在的。

二、核心主创跟组品控

影视是综合艺术，是多人的集体创作，一环扣一环的衔接，需要默契的沟通，来减少“折损”。

有的导演在二创时会给编剧的剧本增分，如《梦华录》《双探》这样的作品，能看得出来导演是在增分；有的导演的二创是给剧本减分，编剧会吐槽：你怎么把我的剧本拍成了这样！

怎么保证品控？

原著或者编剧跟组，和导演聊艺术设想、和演员聊具体的表演、和剪辑聊作品的剪辑和转场，能在某种程度上保证品控。

刘和平的《大明王朝1566》《北平无战事》，都是自己担当总制片人，《援军明日到达》里，还有监制的身份，以保证最理想的终极呈现。 刘和平的项目的权利划分，在某种程度上和美剧的权利划分是比较相似的。

顾漫的小说影视化，自己担当编剧并参与制作，就拍出了原著的气质。 这种模式堪比当年的琼瑶模式。

国产剧里一些主演，也以艺术总监的身份出现在一个项目里，如《白鹿原》里的张嘉益。这好比汤姆·克鲁斯、史泰龙、梅尔·吉布森等演员在项目里的“亲力亲为”。

本文来自微信公众号“新剧观察”（ID：xinjuguancha），作者：周燚，36氪经授权发布。